Про художников Опции

[Жанятка]

Гениальный Айвазовский был несчастлив в любви

Вольным творцом Айвазовский никогда не был — он находился на службе у государства и был художником Главного морского штаба. Тогда, когда не было телевидения и фотоаппаратов, живописцы единственные могли передать картину происходящего.

Произведения великого художника Ивана Константиновича Айвазовского заняли почетное место не только в русской и армянской живописи, но и в сокровищнице мирового искусства.

Как бывает у музыканта абсолютный слух, так у Айвазовского была абсолютная память. Он писал свои марины по памяти, исключительно точно передавая различные состояния моря.

Сегодня исполняется 190 лет со дня рождения великого художника.

Иван Константинович Айвазовский родился 29 июля 1817 г. в Феодосии, в армянской семье. С детства наблюдение за жизнью моря и рисование стало любимейшим занятием Ивана Айвазовского. Его дарование было замечено влиятельными людьми города. А. И. Казначеев, градоначальник Феодосии, определил подростка в Симферопольскую гимназию и в дальнейшем ходатайствовал о его поступлении в Академию художеств в Петербурге. Академию Айвазовский закончил с золотой медалью.

Айвазовского при жизни окружала всемирная слава. С 1846 г. в России и за границей было организовано 120 его персональных выставок. Он был избран членом европейских академий художеств: Петербургской, Парижской, Римской, Амстердамской. Папа римский пожелал приобрести для Ватикана картину Айвазовского «Хаос». В 1844 г. ему было присвоено звание академика Петербургской Академии художеств. В 1844 г.

Айвазовский был поразительно работоспособен: написал около 6000 полотен и считал, что умение писать по памяти отличает настоящего художника от ненастоящего.

«Живописец, только копирующий природу, становиться ее рабом. Человек, не одаренный памятью, сохраняющей впечатления живой природы, может быть отличным копировальщиком, живым фотографическим аппаратом, но истинным художником — никогда. Движения живых стихий неуловимы для кисти: писать молнию, порыв ветра, всплеск волны — немыслимо с натуры».

Практически всю жизнь Айвазовский жил и работал в Феодосии, где построил по собственному проекту дом на берегу моря. Преподавал в созданной им Общей художественной школе-мастерской.

Художник своими делами заслужил уважение и любовь сограждан. Он построил в Феодосии гимназию и библиотеку, археологический музей и картинную галерею. По его настоянию был проведен в Феодосии водопровод. Благодаря его хлопотам был сооружен торговый порт, проведена железная дорога. В 1881 г. И. К. Айвазовский избран первым почетным гражданином города Феодосии.

Вольным творцом Айвазовский никогда не был — он находился на службе у государства и был художником Главного морского штаба. Тогда, когда не было телевидения и фотоаппаратов, живописцы единственные могли передать картину происходящего. Поэтому Главный морской штаб посылал Ивана Константиновича «на задания»: по заказу руководства художник оперативно рисовал батальные сцены с мест сражений, вкладывая в них патриотический дух и веру в силу российского флота, продвигая таким образом официальную идеологию. Во времена Крымской войны Айвазовскому не всегда удавалось присутствовать на местах сражений, но он тщательно собирал рассказы очевидцев и восстанавливал картину происходящего.

«Море — это моя жизнь», — говорил художник. Он обладал способностью передать движение и дыхание моря.

Глядя на его картины, трудно себе представить, что их создавал человек, долгие годы переживающий неустроенность семейной жизни, разлуку с любимыми детьми.

В 1848 году Айвазовский женился. В один из приездов в Петербург он был представлен весьма знатной вдове, имевшей двух дочерей «на выданье». Девушки пожелали учиться живописи у знаменитого художника. Через некоторое время вдова стала замечать, что художник слишком прилежен в занятиях, часто засиживается в ее доме. Вдова уже гадала, какой из дочерей художник отдаст предпочтение. Все это, однако, разрешилось самым неожиданным образом: Айвазовский женился на гувернантке — Юлии Яковлевне Гревс.

Через год после свадьбы у них родилась дочь Елена, в 1851 году — Мария, а в 1858 году — Жанна. Однако этот брак оказался не очень счастливым.

Тщеславному воображению красавицы рисовались приемы в петербургском салоне. Айвазовский же принял решение навсегда поселиться в Феодосии. На двенадцатом году супружеской жизни Юлия Яковлевна оставила Айвазовского, взяв с собой всех четырех дочерей: Александру, Елену, Марию и Жанну. Только время от времени она позволяла им навещать отца.

Друзья несколько раз пытались помирить Айвазовского с женой, но все оказалось безуспешным. Юлия Гревс продолжала клеветать на мужа, даже писала царю, просила, чтобы он обязал Айвазовского каждый месяц выплачивать ей триста рублей, хотя он и без этого давал ей намного больше. В 1877 году брак был расторгнут.

Шли годы, и на его пути встретилась другая женщина, которую он увидел однажды из экипажа, остановленного похоронной процессией. Хоронили известного в Феодосии купца Саркизова. Вслед за гробом шла вдова — юная армянка поразительной красоты. Через год Анна Никитична Саркизова стала женой Айвазовского. И хотя ему было уже 65 лет, Айвазовский был пылко влюблен в жену и по-настоящему счастлив с ней. Анна Никитична была моложе мужа почти на 40 лет, но природный такт, чуткость, душевная теплота отличали эту молодую, ничему не учившуюся женщину.

Она преклонялась перед искусством своего мужа, понимала его, хотя не посещала музеи и не читала книг по живописи. Дом Айвазовского ожил. В нем собирались друзья, художники, ученики.

Детей у них не было. Ее красота вдохновила Айвазовского не только на создание портрета, который сохранился и находится в галерее. Он даже посвятил ей стихотворение.

Иван Константинович скончался внезапно, ночью, от кровоизлияния в мозг, оставив на мольберте картину «Взрыв корабля», начатую накануне. Художник был похоронен с воинскими почестями, местный гарнизон возложил на гроб адмиральскую шпагу. На могиле высекли надпись на армянском языке: «Рожденный смертным, оставил по себе бессмертную память».

На похоронах Анна Никитична распорядилась разделить склеп на две части, вторую предназначив для себя.

После смерти мужа Анна Никитична в знак траура перестала выходить из дома. В течение 25 лет она ни разу не оставила своей квартиры, расположенной в том флигеле галереи, где находится Краеведческий музей.

Так она пережила Первую мировую войну. Революция, гражданская война, голод и разруха не могли заставить выйти из дома эту добровольную затворницу.

С 1917 по 1920 гг. власть в городе менялась трижды, и в 1920 г. Крым был освобожден окончательно. В 1921 году галерею национализировали и через год открыли для посетителей. Анна Никитична не была на открытии. Она продолжала жить замкнуто и нелюдимо.

Она лишь каждый вечер ходила к морю и сидела на скамье, которую феодосийцы вскоре начали называть «скамьей Анны Никитичны Айвазовской».

Материал подготовлен интернет-редакцией www.rian.ru на основе информации открытых источников
мейл ру

[Жанятка]

Сквозь полотна Ван Гога просвечивает скатерть



Во время лечения в психиатрической клинике голландский художник Ван Гог использовал для написания картин необычные холсты, заявили эксперты из музея великого фламандца в Амстердаме.

Ван Гог всегда был беден. Отсюда его изобретательность в выборе подручных средств.

Куратор музея в Амстердаме Луис ван Тилбург рассказал, что в результете тщательной экспертизы искусствоведы обнаружили, по крайней мере, два полотна, написанные на скатертях. Это картина "Деревья крупным планом", хранящаяся в запасниках Кливлендского музея искусств, а также "Посевы пшеницы на возвышенности" из голландского музея Kroller-Muller.

Тилбург утверждает, что в местах с наименьшей толщиной краски можно различить еле видимый рисунок ткани в мелкую красную клетку. По мнению специалиста, шедевры были созданы во время пребывания художника в психиатрической лечебнице Сен-Реми.

Ван Гог в своих письмах брату Тео регулярно сетовал на отсутствие материалов и даже просил его прислать несколько метров холста.

Тилбурн предполагает, что в ожидании посылок Ван Гог творил на первом попавшемся под руку предмете - на скатерти.

Чайные салфетки мастер использовал уже после своего выхода из лечебницы. Маниакальное желание рисовать привело к тому, что летом 1889 г. Ван Гог создавал чуть ли не по одной картине ежедневно. Тогда в качестве холста он использовал салфетки для чайников с красной каймой.

По мнению директора музея, с уверенностью можно сказать, что на кухонных полотенцах написаны три картины: два натюрморта с изображением букета цветов в вазе, которые находятся в частных коллекциях, и "Сад Добиньи" из музея художника в Амстердаме.

Рентгеновские снимки показали, что голландский импрессионист неоднократно использовал в качестве холста свои старые картины, нанося поверх прежней живописи новую. Так, например, он поступил с картиной "Дикорастущая трава", поверх которой было написано полотно "Ущелье".

Напомним, что за свою короткую жизнь художник нарисовал более 2 тыс. полотен и этюдов. Однако известность пришла к Ван Гогу только после его смерти. Как великий мастер кисти фламандец почитается не только в музейных кругах, но и среди коллекционеров. На сегодняшний день его произведения являются самыми дорогими. Творчеству Ван Гога принадлежит и аукционный рекорд в $82,5 млн - в 1990 г. японец-миллиардер Саито купил за эту сумму картину "Портрет доктора Гаше". Сейчас цены на искусство, можно сказать, пошли вниз, но, тем не менее, около месяца назад небольшой рисунок Ван Гога ушел за $0,5 миллиона.
утро

[Жанятка]

Искусство проникать в суть вещей
Сегодня исполняется 125 лет со дня рождения Павла Филонова – одного из самых загадочных русских художников

Картины Филонова не выставляли несколько десятилетий. После смерти художника в 1941 году первая персональная выставка состоялась только в 1967 году в Новосибирске. Да и при жизни галереи и музеи не баловали его своим вниманием.

Аналитическое искусство
«Филонов считал, что его произведения принадлежат пролетариату и не могут быть проданы, лишь подарены музеям»

В толстых западных альбомах, охватывающих обширные периоды истории искусств или выбирающих сколько-то сотен шедевров мировой живописи, весьма скудно представлена живопись отечественная. Это, как правило, иконы, Александр Иванов и модернисты. Что, в принципе, понятно – реалистов там своих хватало, передвижники – сугубо национальный феномен.

Среди модернистов и авангардистов много художников-эмигрантов (Шагал, Кандинский), собственно эндемичных авторов раз-два и обчелся. Но в их число неизменно входит Павел Филонов, хотя западные музеи не могут похвастаться его полотнами.

Филонов – мост между эпохой культурного ренессанса Серебряного века и послевоенным возрождением интереса к подлинной живописи, пришедшимся на оттепельный период. Его случай уникален – художник запрещал продавать свои произведения, тем более за границу, и получилось так, что практически все полотна хранились в одних руках и дошли до нас нерассеянными.
Филонов родился в московской бедной семье (отец был кучером, мать прачкой). Родители умерли, Филонов переехал в Петербург, работал в «живописно-малярных мастерских», потом брал уроки живописи и учился в Академии искусств, он поступил в нее лишь с третьего раза. В 1910 году он бросает учебу и сближается с художниками-новаторами, группировавшимся вокруг творческого Союза молодежи, и активно участвует в их коллективных выставках.

Его живопись тех лет близка модерну, он отдает дань символистским тенденциям (аллегорические изображения, «вечные вопросы»), неизбежным для живописца, который хотел быть современным. Вместе с тем в его творчестве очень мощно прозвучало кубистическое начало, но подано оно было несколько в ином ключе, нежели на полотнах многих десятков известных художников-футуристов.

Художник оставил после себя значительное теоретическое наследие («Идеология аналитического искусства», «Принципы сделанности»). Как это часто бывает у живописцев, его труды скорее философичны, нежели посвящены тайнам ремесла. Он рассуждает о форме и сущности, о целом и частности, форме и ее наполнении, содержании и смысле.
Его статьи и советы ученикам (он не любил это определение и называл их «изучающие мастера») емки и афористичны, темны и прозрачны одновременно: «Представьте непрерывно и точно в каждую частичку цветом, который нашли так, чтобы он входил в эту частичку, как тепло входит в тело или так, чтобы цвет был органично связан с формой <…> Вводи прорабатываемый цвет в каждый атом, чтобы он туда въедался, как тепло в тело, или органически был связан с формой, как в природе клетчатка цветка».

Недаром в названиях картин Филонова так часто встречается слово «формула» (есть «Формула весны» и даже «Формула империализма»). Попытки увидеть то, что скрыто за видимой оболочкой вещей и явлений, проникнуть в суть и выразить ее в форме – вот задача каждого большого художника. «Очевидцем незримого» назвал его поэт-футурист Алексей Крученых.

Филонов выбрал для себя направление, которое называл «аналитическим». Его метод – «органическая живопись», движение от частного к общему, выражение развития жизни художественными способами. Он отрицал канонический подход к искусству, но и был далек от традиционного футуризма с его почти дизайнерскими экспериментами.

Его картины лиричны и ужасны, беспощадны и доверчивы. Филонов – самый русский из авангардистов, он никогда не ориентировался на работы современных ему западных коллег, в отличие от его собратьев по цеху. Наверное, поэтому его живопись так самобытна и так пугающе притягательна.

Холсты под запретом
Революция была восторженно принята Филоновым, равно как и его многочисленными соратниками по авангарду. Она воспринималась как невиданное обновление социальной и прежде всего культурной жизни, которое сулило большие перспективы, вплоть до космического преображения.

Филонов встретил ее на фронте, куда был направлен рядовым. Он активно включается в новую жизнь, занимает разнообразные должности, подчас далекие от собственно искусства – так, он был председателем Исполнительного военно-революционного комитета Придунайского края (служил он на Румынском фронте, там и застали его события 1917 года).

В 1918 году Филонов возвращается в Петроград, участвует в обширной Первой свободной выставке, проходившей в Зимнем дворце, активно сотрудничает с новой властью в ее культурных начинаниях.

Филонов становится профессором Академии искусств в 1923 году, он выбирает и собирает учеников, которых обучает принципам своей работы. Но времена меняются, творчество Филонова и его кружок всё чаще подвергаются критике. Власти уже не нужны эксперименты, ей не требуется новаторство и прорывы в иные миры, наступает эпоха «сталинского классицизма», куда Филонов явно не вписывается. Знаковое событие – запрет выставки в Русском музее, экспозиция которой уже была подготовлена.

Филонов столкнулся с той же бюрократией от искусства, как и во время своей учебы. Вот только до революции никто не мешал ему устраивать выставки, а новая власть, сначала благоволившая авангарду, узурпировала право определять, кто нужен публике, а кто нет. Не нужен – это в лучшем случае, часто речь шла о «вредности» и «контрреволюционности».

Многие ученики Филонова оказались в заключении, сам художник был лишен возможности не только выставляться, но и подвергся своего рода запрету на профессию: многие его работы, сделанные на заказ, были выполнены по договоренности с его знакомыми, которые ставили свои имена, тем самым давая возможность Филонову хоть какого-то заработка.

Утопия пролетарского искусства, который Филонов был предан, сыграла с ним злую шутку. Талант художника не мог принять новых норм, навязываемых сверху, а не выраставших органично. Идти против провозглашаемой им «органики» – значит предать дело и смысл всей своей жизни.

Филонов остался верным пролетарскому искусству, как он его понимал. И тем жизненным принципам, которые вытекали из этого понимания. Так, он считал, что его произведения принадлежат пролетариату и не могут быть проданы, лишь подарены музеям. Он умер в нищете и голоде в осажденном блокадном Ленинграде в 1941 году.
Многие художники-авангардисты, достигшие успеха, частенько поддавались соблазну коммерциализации творчества (Пикассо, Дали). Филонова этот соблазн миновал.
Взгляд

[Dove]

В прошлом году я попала на выставку Филонова в Русском музее. На самом деле, впечатление очень тягостное производит. Бродишь в полной темноте среди черных занавесей и подсвеченных бежево-красных картин. При этом играет музыка, которую синтезирует из этих самых картин созданная им машина. Что было на картинах - не помню. Осталось ощущение какой-то мерзости и безысходности.

Интересно, это только у меня так? Кто-нибудь был? Поделитесь впечатлениями

[Жанятка]

Российский художник попал в Книгу рекордов Гиннесса

Российский художник Моисей Фейгин, отметивший в октябре 2007 года свой 103-й день рождения, занесен в Книгу рекордов Гиннесса как «самый старый работающий профессиональный художник».

Как сообщили РИА Новости в штаб-квартире Книги рекордов Гиннесса в Лондоне, в базе данных, которая насчитывает порядка 40 тысяч рекордов, теперь есть запись: «Самый старый работающий профессиональный художник Моисей Александрович Фейгин» (Россия, родился 23 октября 1904 года).

Последняя выставка Фейгина прошла в Москве в Центральном доме художника с 27 апреля по 10 мая 2007 года. На тот момент художнику было 102 года и 199 дней. Заявку на включение Фейгина в число рекордсменов подавали его доверенные лица, так как сам художник в это время находился в больнице.

Моисей Фейгин — последний из живущих участников художественной группы начала ХХ века «Бубновый валет» — живет и работает в Москве. Весной 2007 года в ЦДХ прошла выставка «103 года художественного подвига Моисея Фейгина», которая объединила картины художника, написанные им за последние годы.

Моисей Фейгин получит сертификат, официально подтверждающий установленный им рекорд, а также право использовать торговую марку и логотип Книги рекордов Гиннесса в коммерческих целях.
мейлру

[svekla]

в продолжение о Филонове:
"Филонов писал работников физического труда, простых людей, реалистических "не до иллюзий, а... до жути": пластические формы фигур охотников и коней не смягчают окостеневшей реальности охотничьей сцены ("Кабан", 1912-1913 г.г.), убожество низкопробного кабачка не умеряется с чувственной привлекательностью девицы легкого поведения ("Кабачок", 1924 г); он изображает людей со всеми недостатками, которых не могут скрыть ни яркий костюм, ни развевающееся платье ("Юноша и девушка", 1923 г.). Филонов чужд романтики, идеализации, он рисует холодный, горький мир северного полушария, следуя художественной традиции подчеркивать жесткость и уродство повседневной жизни, а не приятно возбуждать или привлекать. Подобная позиция и интерпретация темы тесно связывает Филонова с немецкими мастерами.

Близость Филонова к немецким и фламандским мастерам открывает более широкую возможность научных исследований, затрагивающих в итоге вопрос соотношения русской культуры эпохи модернизма (особенно Петербургской) с северной традицией.

Однако близость Филонова к немецкому Ренесансу - это всего лишь гипотеза, поскольку Филонов не вписывается ни в одну стилистическую концепцию. Во всяком случае, Филонов стоял гораздо ближе именно к русским, чем к немецким художественным традициям и всегда считал свое искусство органически входящим в национальную русскую культуру.

В живописи Филонова нет ничего случайного. Она наполнена символами, знаками, образами, которые так гармонично и естественно связаны между собой, что уже вся картина в целом является символом, и надо весь холст воспринимать и рассматривать как единую метафору.

(IMG:http://www.filonov.org.ru/images/index3_clip_image004.jpg)
В марте 1996 года Филонов как бы вновь открылся на выставке “Москва - Берлин”, проходившей под лозунгом “от соцреализма к чистому искусству” - лозунгом обновляющейся Академии. Эта выставка стала своеобразным судом истории над коммунистами за убийство поэтов: Мандельштама и Климова - и художников: Малевича и Филонова, за убийство души русской культуры, которая к 1915 году своего Серебрянного века заняла в мире лидирующие позиции уже не только в литературе, но и в живописи.

Сейчас, возможно, в это трудно поверить, но даже в начале 80-х годов, не говоря уже о долгом периоде 30-70-годов, не только картины, но и имя художника Павла Николаевича Филонова на территории бывшего СССР было под официальным запретом. Публиковать репродукции его работ в печати, книгах и альбомах было негласно запрещено, так же, как и рассказывать о нем самом и его творчестве.

Признание пришло к нему через десятки лет после смерти. Он разделил драматическую судьбу некоторых великих художников, например, Ван Гога и Модильяни, с той лишь разницей, что признание шло к нему значительно дольше, чем к ним.

На пороге XXI века Павел Николаевич Филонов предстает русским художником, проложившим свой неповторимый путь в искусстве для будущих художников и многочисленных почитателей его таланта.

filonov.org.ru

[Жанятка]

(IMG:http://www.topnews.ru/upload/topka/2008/03/81b29981/81b29981_1.jpg)

Художник убил собаку прямо в картинной галерее

По его мнению, так он борется с людскими пороками.


Художник из Коста-Рики Гильермо Варгас по прозвищу «Абакук» привязал к стене художественной галереи бездомного пса. Его не поили и не кормили. А приходившие посетители должны были наблюдать за тем, как псина потихоньку умирает. Такой вот «перфоманс».

Большинство посетителей пытались уговорить Варгаса, чтобы он освободил несчастное животное. Но находились и те, кто восхищался необычным взглядом художника.

(IMG:http://www.topnews.ru/upload/img/ad5e80d6df.jpg)
Собака в итоге умерла. Какое наказание светит молодому дарованию и накажут ли его вообще, не ясно. Зато известно, что Центральноамериканская Биеннале искусств предложила Варгасу в скором времени повторить перфоманс на выставке в Гондурасе, пишет "КП".
(IMG:http://www.topnews.ru/upload/img/0a76e233da.jpg)
Сам Варгас объяснил, что таким образом он обличает людские пороки – лицемерие и ханжество.

Шокированные живодером люди собирают подписи под петицией руководству Биеннале с требованием запретить Варгасу убивать животных. Собрано уже более миллиона подписей.

Не менее жестоким оказался и коллега Варгаса, испанский художник Вильям Лопес. Ярый концептуалист живьем ест кошек. Правда, делает он это на пленере, без посторонних глаз. Зато затем выставляет свои фото на всеобщее обозрение в Интернете. Испанская полиция до сих пор никак не отреагировала на такое проявление «тяги к творчеству».
топньюс
Р.С. Редкостная мразь эти художники...

[Жанятка]

(IMG:http://www.topnews.ru/upload/news/2008/05/271bbee4/271bbee4_1.jpg)

Илья Глазунов не признал выставленную на Sotheby"s картину

Народный художник СССР Илья Глазунов требует от аукционного дома Sotheby"s снять с предстоящих русских торгов в Лондоне приписываемую ему картину «Вид Кремля».


«Картина «Вид Кремля» не моя, она ужасна и компрометирует меня как художника. Я буду требовать от Sotheby"s снять эту халтуру с торгов. Да на Арбате рисуют лучше, чем эти поддельщики», – сказал Глазунов.

Лот «Вид Кремля», якобы кисти Ильи Глазунова, выставлен под номером 415 на русских торгах аукциона Sotheby"s, которые пройдут 10 июня в Лондоне. Ее предварительная оценка составляет $16–24 тыс. Об этом сообщает Газета.ру.

[Жанятка]

(IMG:http://pics.utro.ru/utro_photos/2008/08/25/5big.jpg)

Дега как знаток женской психологии
Анна Линдберг

Хорошо известно, что французский художник Эдгар Дега был крайне любопытен. В отличие от своих современников, мирно писавших светские пикники, гламурных красоток или приятные сельские виды, Дега норовил проникнуть в самые глубины женской частной жизни, чего до него не удавалось никому, а впоследствии неплохо получалось лишь у его младшего современника, Анри Тулуз-Лотрека. Даже те, кто весьма поверхностно знаком с творчеством этого импрессиониста, могли убедиться, что, изображая своих любимых танцовщиц, Дега предпочитал запечатлеть их во время репетиции, а еще лучше - когда валящиеся с ног от усталости красавицы почесываются, позевывают и растирают отекшие ноги.

Лучшим местом для работы этот оригинал считал ванную. Только там дама может полностью расслабиться и стать совершенно естественной - не без основания утверждал этот знаток женской психологии. Волнующие позы натурщиц, стригущих ногти и расчесывающих волосы, а также динамичные ракурсы особ, яростно растирающихся полотенцем, вдохновляли Дега на целые серии рисунков и пастельных эскизов.

К сожалению, воплотить в большом формате подобные этюды не получалось. Зато настоящее утешение мастеру приносили книжные иллюстрации, особенно если сюжет литературного произведения соответствовал его вкусам. На выставке "В пространстве полусвета", представленной в залах Музея личных коллекций ГМИИ имени А.С. Пушкина, экспонируются уникальные коллекционные издания с иллюстрациями Эдгара Дега.

В основу экспозиции легли гравюры, созданные художником для произведений "Разговоры гетер" Лукиана и "Семья Кардиналь" Людовика Галеви. Справедливости ради надо подчеркнуть, что уникальные альбомы, вошедшие в состав выставки, были опубликованы спустя почти два десятилетия после смерти художника по инициативе двух известных издателей - легендарного галериста и арт-менеджера Амбруаза Воллара и коллекционер Огюста Блэзо, который успел приобрести на посмертной распродаже произведений Дега уникальные оттиски, сделанные еще в 1870-х годах.

Первоначально эти работы, опубликованные Волларом, вовсе не предназначались для оформления книг - подобно Обри Бердсли и другим известным рисовальщикам, Дега создал множество рисунков и зарисовок весьма откровенного характера. Многие из них впоследствии были уничтожены братом художника, искренне заботившимся о посмертной репутации своего талантливого родственника. Однако же изображения будничных сцен из жизни "жриц любви" настолько подходили к "Разговорам гетер", что у Воллара возникли сомнения лишь по одному поводу: пользовались ли античные гетеры изящными шелковыми чулками.

Что касается второго произведения, то его автор - Даниэль Галеви - был необычайно дружен с художником, который сам вызвался проиллюстрировать его новый роман о двух нимфетках, пытающихся найти состоятельных покровителей в парижской Опере, считавшейся очагом разврата. К сожалению, пытаясь угодить другу, художник несколько перестарался и придал черты Галеви главному герою. Не удивительно, что писатель отнюдь не счел себя польщенным и отказался публиковать свой роман с иллюстрациями Дега - листы вернулись в его студию, где и хранились до самой смерти мастера.

С точки зрения морали произведения, представленные на выставке, могут вызвать несколько противоречивую реакцию. Однако поклонники динамичных, характерных рисунков художника оценят его блестящую работу в технике монотипии. Считаясь разновидностью печатной графики, техника монотипии, изобретенная еще в XVII столетии, заключается в нанесении красок от руки на идеально гладкую поверхность печатной формы с последующим печатанием на станке; полученный на бумаге оттиск всегда бывает единственным, уникальным и по характеру максимально близок к оригинальному рисунку.

Приятным дополнением к выставке является небольшой раздел фотографий с парижскими видами 30-х годов прошлого столетия.

утро

[Жанятка]

(IMG:http://www.topnews.ru/upload/topka/2008/10/f3fc3691/f3fc3691_1.jpg)

На Украине создадут самую большую картину в мире
Новый монументальный проект носит название "Хроника человечества" и будет достигать в длину 1,5 километра.



Гигантское полотно в ближайшем будущем обещает создать украинский художник Роман Бончук, который приобрел известность, написав огромную картину "Хроника Украины", передает издание "Новые известия".

В замыслах художника – изобразить основные исторические сюжеты, пережитые цивилизацией: от сотворения мира и до сегодняшнего дня. Сейчас Роман Бончук работает над макетами и сюжетными линиями.

По предварительным наброскам, общее число персонажей исторического полотна будет достигать пяти миллионов, и до двух тысяч будут насчитывать сюжетные ходы. Роман Бончук намеревается воплотить свою идею за пять лет, а при удачном ходе работ – за три года.

Правда, в этом случае ему придется ежедневно без выходных рисовать по 4,5 тыс. персонажей. Как художнику удастся это сделать, не сообщается. Тем не менее через несколько лет он надеется выставить картину на Елисейских полях в Париже.
топньюс

[Dmitri Klimushki...]

Раскопал сайт, посвященный творчеству Рембрандта:
http://www.rembrandts.ru/
На мой взгляд, величайшего художника всех времен и народов.

[Жанятка]

Во фресках Микеланджело обнаружили еврейскую символику и сексуальный подтекст


Во фресках знаменитого Микеланджело из Сикстинской капеллы зашифрованы "не только еврейские, каббалистические и языческие символы, но также оскорбления в адрес папы Юлия II, заказчика работы, и отсылки к его собственной сексуальной ориентации". Об этом со ссылкой на недавно переизданную книгу пишет сегодня The Wall Street Journal. Написанный ватиканским экскурсоводом Роем Долинером в соавторстве с раввином Бенджамином Блечем труд под названием "Сикстинские секреты: Запретные сообщения, которые Микеланджело оставил в самом сердце Ватикана" выдержал уже два итальянских издания и недавно впервые вышел на английском.

Правоверный еврей Долинер уверяет, что в этой книге нет "ни выдумок, ни нападок на Католическую церковь, это скорее попытка вскрыть всеобъемлющие связи между христианством и иудаизмом". В росписи потолка Сикстинской капеллы Микеланджело, по его мнению, заложил "мистическое послание вселенской любви - мост взаимопонимания между двумя религиями", передает The Wall Street Journal. Долинер провел корреспондента этого издания по Сикстинской капелле и ответил на несколько его вопросов.

Книга стала результатом шестилетнего исследования, к которому Долинера подтолкнули неожиданные находки, сделанные им в 1999 году, когда капелла открылась после реставрации. Два символа, которые раньше принимали за греческие "альфу" и "омегу", на поверку оказались буквами иврита, а в сцене Страшного суда, которую Микеланджело живописал за алтарем, он обнаружил фигуры двух евреев.

Открещиваясь от приписываемого ему желания "нажиться на феномене "Кода Да Винчи", ватиканский гид поведал, что начал свое исследование задолго до того, как вышла книга Дэна Брауна, и на первых порах был "самым большим скептиком в мире". Однако постепенно "сам Микеланджело" начал убеждать его в том, что замеченные им совпадения вовсе не случайны, и "кусочки пазла сложились".

Долинер отмечает "многослойность" произведений флорентийского мастера, которая роднит его гений с гением Талмуда. Микеланджело пять столетий тому назад "пытался напомнить Риму, что Христос был евреем... и что в основе христианства лежит иудаизм", в то время как Святой престол всеми силами старался "разделить две религии". Поскольку во Флоренции, по словам Долинера, господствовали прямо противоположные нравы, в позиции художника была и политическая составляющая.

Более того, Долинер убежден, что заказ на роспись потолка капеллы стал для Микеланджело предложением, от которого невозможно было отказаться: более престижную роспись по стенам отдали на откуп другим художникам, и Микеланджело согласился лишь из страха перед папой Юлием II, которого прозвали "грозным". По словам ватиканского гида, боковые росписи испещрены скрытыми оскорблениями в адрес ненавистного понтифика.

По словам Долинера, за все время своей продолжительной творческой жизни Микеланджело ни разу не воспользовался услугами модели женского пола, а женские фигуры никогда ему не удавались. Все это вкупе с изображением содомитов, которые вместе с Данте (к его неудовольствию) оказались на небесах на фреске Микеланджело, указывает на то, что Микеланджело был гомосексуалистом.

Стараниями художника в самом сердце Католической церкви нашлось место и иудейским пророкам, и языческим сивиллам. Лишь при помощи изощренной казуистики и некоторых ухищрений Микеланджело удалось избежать папского гнева.


Inopressa.ru

[Жанятка]

(IMG:http://img.passion.ru/people/img/1205peo_50.jpg)

Замирая порой у картин великих художников, понимаешь, что ничего не знаешь ни о полотне, ни о самом творце его. А ведь известные в прошлом люди часто проживали настолько интересную жизнь, что при чтении их биографий возникает целая гамма чувств - от восхищения до недоумения и даже неприятия. Сегодняшний рассказ Passion.ru - о великой художнице, которая при жизни была известна и популярна, но отчего-то при этом получала за свою работу жалкие гроши...

«Каждая её работа вызывала восторженный гул», - отзывался о творчестве художницы Зинаиды Серебряковой её собрат по ремеслу С. Маковский.

(IMG:http://img.passion.ru/star/img/1205st_3.jpg)

Рожденная в творческой семье

Рисовать много, забывая обо всём, она начала в юном возрасте. Любимое детское увлечение стало призванием.

Да и не могла Зина не стать художником, - её путь, казалось, был предопределен с рождения: девочка росла в семье, где все были творческими личностями.

Дед и прадед были признанными архитекторами, отец Евгений Лансере - скульптором, живописью занималась и мать Екатерина Николаевна, сестра известного критика и художника Александра Бенуа. В духовно возвышенной атмосфере семьи Бенуа Зина оказалась с двухлетнего возраста: от чахотки умер отец, и мать со всеми детьми возвратилась в отчий дом в Петербург.

В доме была особая обстановка, младшие представители семьи постоянно слышали разговоры о высоком назначении искусства и художника, посещали Эрмитаж, театры и выставки.

Зина по несколько раз перечитывала редкие книги по искусству из огромной домашней библиотеки. Все родные занимались творческой работой: рисовали, ходили на этюды.

Повзрослев, Зина работала в студии под руководством знаменитого живописца Ильи Репина.

Ученица талантливо копировала эрмитажные полотна, и очень ценила это занятие, ведь и работы старых мастеров кисти её многому учили.

(IMG:http://img.passion.ru/star/img/1205st_1.jpg)

Утро, принесшее славу

Позже 21-летняя Зинаида, уже замужняя дама, училась живописи в Париже, куда в октябре 1905 года она уехала вместе с матерью.

Вскоре к ним присоединился муж художницы Борис Серебряков, инженер-путеец.

Они приходились друг другу близкими родственниками - двоюродными братом и сестрой, поэтому за своё счастье пришлось побороться, так как родные препятствовали браку между кровными родственниками.

После Франции молодая художница лето и осень обычно проводила под Харьковом в семейном имении Нескучном - писала этюды крестьянок, а на зиму уезжала в Петербург.

Счастливым для творческого развития Зинаиды стал 1909 год, когда она подольше задержалась в имении.

Наступила ранняя зима, сад, поля, дороги занесло снегом, и работу с написанием этюдов пришлось прервать.

В одно солнечное утро у художницы родился замысел написания картины, принесший вскоре известность - автопортрет «За туалетом».

Проснувшись, Зинаида полюбовалась природой из окна, подошла к зеркалу. Отвела в сторону густые тёмные волосы, взмахнула гребнем и замерла.

В зеркале отражалось её лицо, которое светилось покоем и счастьем. Художница вдруг почувствовала желание написать своё отражение.

«Разноцветные флакончики, булавки, бусы, уголок белоснежной постели, подсвечники с длинными, стройными свечами, деревенский, с кувшинами и тазиками, рукомойник.

И себя в белой, сбившейся с плеча, рубашке, с лёгким детским румянцем на щеках и ясной улыбкой. В общем, такой, какой она и была на самом деле и немножко хотела бы быть»,

- так описывает этот самый известный портрет художницы научный сотрудник Эрмитажа В. Леняшин.

Получился не традиционный автопортрет, а жанровая сцена, рассказ об одном счастливом утре молодой женщины.

Его широкая публика увидела на выставке Союза русских художников зимой 1910 года. Картина Серебряковой висела рядом с картинами Серова, Кустодиева, Врубеля.

Она не затерялась среди полотен признанных мастеров, более того - работу дебютантки приобрела Третьяковская галерея.

С картины «За туалетом» и началась известность русской художницы Зинаиды Серебряковой.

(IMG:http://img.passion.ru/star/img/1205st_4.jpg)

Семья и одиночество

Она работала в археологическом музее при Харьковском университете, когда произошла революция.

Смутное тревожное время, неопределённость, тяжёлый быт наполняли жизнь семьи З. Серебряковой. В 1919 году её постигло большое горе - умер муж.

После продолжительной разлуки они встретились в Москве, и, спустя месяц, Зинаида уговорила Бориса на три дня съездить в Харьков, повидаться с детьми.

После короткой встречи с семьёй он вновь простился с родными - торопился на работу. В дороге вдруг прихватило сердце и пришлось вернуться в Харьков.

Борис пересел на военный поезд, там и заразился сыпным тифом. Болезнь скосила быстро, он умирал на глазах у растерянной жены и плачущих больной матери и детей.

Похоронив мужа, Зинаида осталась одна в ответе за большую семью, состоящую из слабой здоровьем матери и четверых детей.

В дневнике вдова с надрывом писала о бытовых невзгодах, выпавших на её долю, подавленном душевном состоянии.

Осенью 1920 года она получила приглашение перевестись в Петроградский отдел музеев и приняла его, но жить легче не стало.

«Я до сих пор не забуду, какое сильное впечатление на меня произвели её прекрасные лучистые глаза, - вспоминала сослуживица художницы Г. И. Тесленко.

- Несмотря на большое горе и непреодолимые трудности житейские - четверо детей и мать! - она выглядела значительно моложе своих лет, и её лицо поражало свежестью красок.

Глубокая внутренняя жизнь, которой она жила, создавала такое внешнее обаяние, которому противиться не было никакой возможности».

Галина Тесленко стала подругой художницы на многие годы. «Вы так молоды, любимы, цените это время, - говорила ей Серебрякова в 1922 году. - Ах, так горько, так грустно сознавать, что жизнь уже позади…».

Необычайно эмоциональная по натуре, она остро реагировала на все, что происходило вокруг, близко к сердцу принимала горе и радость.

Современники отмечали её поразительно искреннее отношение к людям, событиям, она живо отзывалась на просьбы, ценила в людях доброту, восхищалась всем красивым, ненавидела зло.

О повторном замужестве Зинаида и не думала, была по натуре однолюбом. Время было тяжёлым, семья Серебряковой едва сводила концы с концами.

Художница, получив разрешение в дни балетных спектаклей бывать за кулисами бывшей Мариинки, три года делала наброски, сеансы продолжались и дома, к ней балерины приходили охотно.

Так возникла серия балетных портретов и композиций. Эта работа была почти единственным источником доходов для большой семьи.

Надежда на улучшение положения появилась после участия Серебряковой в большой американской выставке, устроенной с целью материальной помощи русским художникам.

Две её картины были сразу же проданы. Ободрённая успехом, Зинаида Евгеньевна на вырученные деньги уехала в Париж.

Она предполагала пожить на чужбине несколько месяцев, хотела заработать частными заказами и вернуться в Россию. Но оказалось, что покинула страну навсегда.

(IMG:http://img.passion.ru/star/img/1205st_2.jpg)

Неоцененная гениальность

…Двое детей художницы так и остались в России, а старшие Александр и Екатерина приехали к матери в 1925-м и 1928-м годах.

С дочерью Татьяной художница встретилась через 36 лет, когда та приезжала навестить мать в Париже. Но и на чужбине не удавалось избавиться от нужды, и здесь жизнь оставалась нелёгкой.

Сколько бы ни трудилась русская художница, заработки были слишком малы, чтобы угнаться за ценами.

В первые годы она стала известна как лучший мастер портрета, но, несмотря на это, за гроши бралась писать многие работы, а бывало, что трудилась бесплатно, лишь бы иметь клиентуру.

Художник К. Сомов, тоже живший в Париже в те годы, так отзывался о Зинаиде:

«Непрактична, делает много портретов даром за обещание рекламировать, но все, получая чудные вещи, её забывают, и палец о палец не ударят».

Иногда заказчики находили в работах художницы «изъяны», и тогда весь круг знакомых клиента был для неё закрыт.

В 1920-30-х состоялось несколько персональных выставок Зинаиды Серебряковой в Париже.

Во французской печати её называли «одной из самых замечательных русских художниц эпохи», но эти благожелательные отзывы тонули в море статей, рекламирующих модное тогда абстрактное искусство, которое сильно влияло на вкусы общества.

Мастерство Серебряковой многим казалось устаревшим, и её работы крайне редко приобретались на выставках.

«Если сравнить настоящее время, беспомощное (во всём) в искусстве, с прежними веками, то ведь всё никуда не годится, а всё-таки мы продолжаем рисовать», - удивлялась собственной выносливости художница.

Бездарные полотна и их авторы, ничего общего не имевшие с настоящим искусством, раздражали её. Поражала и публика, не способная отличить прекрасное от дурного - в театре, музыке, литературе.

«Жизнь представляется мне теперь бессмысленной суетой и ложью - уж очень засорены сейчас у всех мозги, и нет теперь ничего священного на свете, всё загублено, развенчано, попрано в грязь», - писала художница.

…В середине 30-х годов Зинаида Евгеньевна Серебрякова собиралась вернуться на родину.

Но, оказалось, не судьба: сначала затянулось оформление документов, потом переезд сделала невозможным Вторая мировая война и оккупация Парижа.

После войны дети и русские художники звали её вернуться, но старая художница была уже тяжело больна и после двух перенесённых операций на переезд не решилась.

Да и сына и дочь, тоже ставших художниками, не хотела покидать за границей. «Вообще я часто раскаиваюсь, что заехала так безнадёжно далеко от своих», - писала она ещё в 1926 году.

И с горечью подводила итог прожитому: «Ничего из моей жизни здесь не вышло, и я часто думаю, что сделала непоправимую вещь, оторвавшись от почвы…».

З. Е. Серебрякова умерла в 82 года в Париже, в сентябре 1967 года.

За несколько лет до смерти друзья и дети художницы устроили в России выставку, и для многих - не только соотечественников - она стала открытием подлинного русского таланта.

Инна ИНИНА
пассион

[Жанятка]

(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00pdfd93.jpg)

© AP Photo/Matthias Rietschel

15.01.2009, Германия | Сегодня в Дрезденской галерее — санитарный день. Картины отдыхают от посетителей и приводят себя в порядок. На снимке реставраторы галереи Адам Калиновский и Микаэль Швейгер чистят раму и стекло, закрывающее шедевр римского периода работы великого Рафаэля Санти «Сикстинская мадонна» (ок. 1513 г).

Известно, что Рафаэль использовал в качестве натурщицы для образа мадонны свою возлюбленную Маргариту Лути Cьенсе, по прозвищу Булочница (La Fornarina), дочь пекаря из римского района Санта Доротея. Она же, по мнению большинства искусствоведов, изображена на двух других, более поздних, полотнах мастера: «Донна Велата» и «Портрет молодой женщины». Последняя работа интересна тем, что она одна из немногих, на которых есть подпись автора – на левой руке Маргариты, на ленте, латинскими буквами написано: «Рафаэль из Урбино».

Рафаэль на самом деле был очень влюблен в девушку. В одном из своих сонетов он написал о ней: «Я побежден, прикован к великому пламени, которое меня мучает и обессиливает. О, как я горю! Ни море, ни реки не могут потушить этот огонь, и все-таки я не могу обходиться без него, так как в своей страсти я до того счастлив, что, пламенея, хочу еще больше пламенеть». Тихого семейного счастья влюбленные так и не дождались. У Рафаэля была невеста, свадьбу из-за связи с Форнариной он откладывал из года в год, пока не умер. После смерти художника Форнарина постриглась в монахини.

Однако, результат пламенной любви Рафаэля остался в его полотнах, из которых «Сикстинская мадонна» — самое значительное. Уже несколько сотен лет мы имеем счастье наблюдать как из-за раздвинутого занавеса на облаке нам является небесное видение — дева Мария с младенцем на руках. Слева — римский папа Сикст II, причисленный к лику святых за принятие мученической смерти в 258 г. Папа просит Марию о заступничестве за всех, кто молится ей перед алтарем. Справа — застывшая в благоговении фигура святой великомученицы Варвары. Сзади, в золотой дымке едва различимы лица ангелов – они образуют общий фон картины. На ближнем плане два крылатых мальчугана смотрят на Марию – ангелы радуются её появлению, а их «домашние» позы придают всему полотну особую теплоту и человечность. Фантастическое, исполненное великой духовной силы творение и, одновременно, памятник любимой женщине. Так, наверное, и получаются шедевры в искусстве.

«Сикстинская Мадонна» была заказана Рафаэлю в 1512 году как алтарный образ для капеллы монастыря Святого Сикста в Пьяченце.
жж другой

[Dmitri Klimushki...]

Два сайта, посвященных Веласкесу:

http://www.diegovelazquez.org/

http://www.velaskes.ru/

Ведь были же раньше великие художники...



Сообщение отредактировал Dmitri Klimushkin - 22.01.2009, 11:28

Эскизы прикрепленных изображений

 

[Жанятка]

Художник с феноменальной памятью

Источник kulturologia
Британец Стивен Вилтшир (Stephen Wiltshire) довольно таки необычный человек, страдающий аутизмом, но в тоже время он просто гениальный художник, с феноменальной памятью, которая помогает ему воспроизводить на полотне уведенные им картины до самых мельчайших подробностей.

Некоторые из нас даже не могут запомнить, на какой улице мы находимся. А если все же знаем, где мы находимся, то можем ли мы в деталях описать то место, где мы только что побывали, или которое только что увидели? Но вот талантливому британскому художнику Стивену Вилтширу (Stephen Wiltshire) достаточно лишь одного взгляда на раскинувшийся перед его глазами город, или пейзаж, и он воспроизведет его на холсте, не забыв даже самые мелкие детали.
(IMG:http://www.kulturologia.ru/files/oleczka/SW/SW_picture4.jpg)
(IMG:http://www.kulturologia.ru/files/oleczka/SW/SW_picture1.jpg)
(IMG:http://www.kulturologia.ru/files/oleczka/SW/SW_picture2.jpg)
Ему понадобилось 30 минут полета на вертолете над Токио, чтобы запомнить его силуэт и нарисовать по памяти картину города десятиметровой длины. Поразительно! Необычные способности художника не могут не восхищать. Но некоторые приписывают особенный дар «человека-камеры» аутизму.

В последние годы Стивен Вилтшир начал рисовать цветные картины, два ярких примера в его коллекции - это пейзаж ночного Лондона и Times Square в Нью-Йорке.

(IMG:http://www.kulturologia.ru/files/oleczka/SW/SW_picture3.jpg)
Силуэт города Лондона был оценен в £12 500 фунтов стерлингов.

[Жанятка]

Русская художница выпила мыла,залаяла и покусала стюардессу



Известная в Британии художница Галина Русанова возвращалась в Лондон из Лос-Анджелеса на самолете компании United Airlines. Через три часа после взлета Русанова выпила вино, смешанное с разрешенным к использованию лекарством. После этого она выпила, по словам стюардессы, жидкое мыло и "потеряла контроль над собой".

Она начала пинать кресло соседа, лаять как собака и нападать на стюардесс. В конце концов, она попыталась укусить одну из них за ногу.

Русанову высадили в Бангоре и тут же посадили в тюрьму.

На допросах ФБР она сказала: "О, это так типично. Иногда я делаю безумные вещи". Она утверждает, что боится полетов и была вынуждена принять антидепрессант и запить его тремя бутылочками красного вина. После этого она ничего не помнит.

Русанова 20 лет живет в Британии на пособие по инвалидности. Ее картины продаются по всему Лондону.

Она отказалась платить залог и, по всей вероятности, останется в тюрьме до слушания дела.

MIGnews

[Жанятка]

(IMG:http://www.topnews.ru/upload/news/2009/05/6ada7763/6ada7763_1.jpg)

Ухо Ван Гогу отрезал лучший друг

Немецкие ученые сделали новое открытие в мире живописи, переписав таким образом историю с ухом Ван Гога.

Искусствоведы выяснили, кто отрезал ухо гению, пишет интернет-издание "Дни.ру".

Винсент Ван Гог не отрезал себе мочку уха. Ее ему отрезал в приступе злости Поль Гоген. К такому выводу пришли два исследователя из Гамбургского университета - Ханс Кауфман и Рита Вильдеганс. Долгие десятилетия считалось, что художник сам отрезал себе мочку в порыве безумия, которое привело его к совершению самоубийства два года спустя. Но после многолетнего расследования ученые установили, что эту процедуру провел его ближайший друг.

Друзья не говорили о случившемся в соответствии с негласным "пактом о молчании". Исследователи отмечают, что сведения о злополучном происшествии вечером 23 декабря 1888 года исходят от Гогена и от полицейских Арля. Последние обнаружили окровавленного Ван Гога утром 24 декабря и доставили его в больницу. По их данным, которые приводит "The Daily Telegraph", Ван Гог показывал кусочек завернутого в газету уха знакомой проститутке по имени Рашель. Впоследствии весь этот эпизод из жизни голландского художника был сочтен одним из признаков нараставшей душевной болезни, которая, в конце концов, и привела его к самоубийству. Версия Поля Гогена гласила, что два друга-художника поссорились, Гоген вышел из дома и отправился ночевать в близлежащую гостиницу. Оставшись один, расстроенный Ван Гог отрезал себе бритвой мочку уха.

Но, по мнению немецких исследователей, на самом деле Гоген пытался осадить разгоряченного спором Ван Гога, который кидался в друга посудой, и, будучи отличным фехтовальщиком, не нанес ему большого вреда, а только отсек ему мочку уха. Затем он выбросил оружие в Рону. Рапиру, разумеется, не нашли. "Бритву тоже", - добавляет Кауфман. Гоген позже давал показания, в которых подтвердил свою версию, а Ван Гог молчал, и от него никто не смог добиться рассказа о произошедшем.

Исследователи ссылаются на переписку между Винсентом и его братом Тео, в которой художник намекает на то, что произошло на самом деле, и подчеркивает в письме, что не в праве разорвать "пакт молчания", так как голландский художник очень любил своего друга и ни при каких обстоятельствах не стал бы давать против него показаний. Ведь в противном случае Гогену грозила бы тюрьма.

Ханс Кауфман считает, что после трагического случая Гоген, больше никогда не видевшийся с Ван Гогом, раскаивался в совершенном. В частности, он написал свою версию "Подсолнухов" в 1901 году в память об умершем друге. Нина Циммер, куратор крупнейшей выставки Ван Гога в Базеле, считает, что, "возможно, исследователи и правы". "Но все гипотезы являются лишь домыслом, и узнать, что же случилось на самом деле в тот роковой вечер, мы не можем, так как для этого нужны неопровержимые доказательства", - заключила она.
топньюс