Арт-Москва Опции

[Жанятка]

Арт-Москва

(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f441f8.jpg)
Пошел в ЦДХ посмотреть своими глазами на "Евангельский проект" Врубеля и Тимофеевой. Под проект отданы несколько залов на втором этаже. Свет там, как и во всем выставочном зале, препоганейший, но работа Димы и Вики впечатлили, несмотря на то, что я видел уже репродукции и не один раз. Всем советую выбрать время и съездить на Крымскую набережную, тем более, что на ярмарке есть что посмотреть.

(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f45c7q.jpg)
Герой. Лидер. Бог. (Александр Косолапов, галерея Гельмана)

(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4a5y9.jpg)
Замечательная "Пионерка" Юлии Ждановой.

(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4dksx.jpg)
(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4ex4r.jpg)
(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4h1zx.jpg)
"Возвращение домой" Леонида Тишкова. Богородица из пуговиц.

(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4kk1h.jpg)
Три видеоинсталляции Танатоса Баниоса: на фоне видеороликов в HDTV маленькие "военные" сценки – погибший летчик, лыжник и моряк на руках товарищей. Работа потрясающей красоты и вкуса.
(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4pq65.jpg)
(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4s8tt.jpg)
Аристарх Чернышев. Названия не нашел, но это новостная лента.
(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4wf20.jpg)
(IMG:http://pics.livejournal.com/drugoi/pic/00f4xwtq.jpg)
Дмитрий Врубель, Виктория Тимофеева "Евангельский проект" (фрагменты).
АРТ МОСКВА
12 МЕЖДУНАРОДНАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ
ЯРМАРКА 14 - 18 МАЯ 2008
ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ДОМ ХУДОЖНИКА МОСКВА, КРЫМСКИЙ ВАЛ, 10
ЖЖ Другой

[Жанятка]

(IMG:http://journal.vz.ru/upimg/m_1293.jpg)
Актуально. Супер
Что такое современное искусство? Этот термин говорит лишь о временных рамках творческого процесса – с 1970 года по настоящий момент. А далее сочиняем и лепим что душе угодно и называем получившуюся в итоге красоту арт-объектом. Увидеть, как это делают признанные мастера, можно на «Арт-Москве» с 14 по 18 мая.
Текст: Маргарита Беляева
Фото: Маттео Базиле


Пространство Центрального дома художника на несколько дней отдается на откуп актуальному искусству. Здесь расположились «Синие носы» со своим «тяп-ляп»-видеоартом, понятным и пионерам, и пенсионерам. Творчество Мизина и Шабурова незамысловато, зато очень актуально, согласно с принципом «что вижу в телевизоре, про то и пою».
Этажом выше висят неоэкспрессионистские опусы Жан-Мишеля Баския. Его мрачная мазня придется по вкусу очень немногим. Однако он любим арт-критиками и арт-дилерами, благодаря усилиям которых и перешел уже в разряд классиков. В 2007 году одна из его работ была продана на аукционе за 14,6 млн долларов. А начинал Баския с того, что разрисовывал граффити стены зданий на Манхэттене, оставляя недвусмысленную подпись «SAMO shit».
Кстати, устроители «Арт-Москвы» не обошли вниманием искусство улиц: перед входом в ЦДХ представлена граффити-инсталляция московского райтера Make.
Всего под одной крышей разместилось 45 галерей из 12 стран мира. Причем можно не только любоваться на эти произведения современного духа, но и приобрести их себе в коллекцию. Как говорится, подходи, не скупись, покупай contemporary art. Сориентироваться во всем этом многообразии без специальной подготовки достаточно сложно. Позволю себе обратить ваше внимание на трех художников, участвующих в «Арт-Москве».


Дэвид Лашапель
(IMG:http://journal.vz.ru/upimg/12325.jpg)
«Иона» Лашапеля – портрет подростка, погруженного под воду
Ассоциация American Photo включила Лашапеля в десятку самых значимых людей в фотографии. Первый масштабный заказ, съемки для журнала Interview, ему устроил Энди Уорхол. Дальше все пошло как по накатанной колее: Vogue, Vanity Fair, Rolling Stone, i-D, Vibe, The Face, GQ, Playboy.
А вот еще один список: Мадонна, Леонардо Ди Каприо, Дэвид Духовны, Наоми Кэмпбелл, Памела Андерсон, Ума Турман, Мэрилин Мэнсон, Александр Маккуин, Дрю Бэрримор, Элтон Джон, Пэрис Хилтон, Дэвид Боуи – Лашапель столько работал с поп-звездами, что сам уже приобрел этот статус.
Его величают «Сальвадором Дали третьего тысячелетия». И следует признать, не без оснований. Стирание грани между сном и реальностью, противоестественные сочетания и многочисленные аллюзии – это все о работах Лашапеля.
Он очень любит обнаженную натуру. Причем любую, вне зависимости, насколько она соответствует модельным стандартам. Дэвид считает совершенным все, что снимает: «И вообще моя философия: в жизни должно быть больше тех вещей, которые я люблю, чем тех, которые мне неприятны. Вот я и пытаюсь полюбить все».
На «Арт-Москву» привезли произведение Лашапеля, не слишком для него характерное, – Jonah («Иона») из серии Аwakened («Пробужденные»). Иона – ветхозаветный пророк, которого Бог послал нести истинное знание нечестивым жителям Ниневии (столицы Ассирийского государства). Иона сначала воспротивился Божьей воле и провел в результате три дня и три ночи во чреве кита. Там он каялся, усердно молился – и гигантская рыба извергла его на сушу.
«Иона» Лашапеля – портрет подростка, погруженного под воду. В такой же стилистике сделаны и другие библейские персонажи: Сара, Юдифь. Дэвид не впервые обращается к теме религии, но на сей раз он делает это очень аккуратно и бережно. Никаких медийных лиц, никакого китча или провокации. Только светлые парящие фигуры.


Маттео Базиле
(IMG:http://journal.vz.ru/upimg/12328.jpg)
Маттео смешивает античность и барокко, театральность и цитаты из кинематографа, цифровую фотографию и классическую иконографию
Базиле тоже фотограф. Ему 34 года. Он практически ровесник Лашапеля, хотя и не может еще похвастаться такой же популярностью. Тем не менее он одна из главных фигур итальянского цифрового искусства. И если бы мне предложили выбрать из всего представленного на «Арт-Москве» две понравившиеся работы, я бы не задумываясь взяла его Il Coquistatore и Papa.

Маттео смешивает античность и барокко, театральность и цитаты из кинематографа, цифровую фотографию и классическую иконографию. Он создает мифическое пространство, которое населяет странными существами. Святой или сумасшедший, мужчина или женщина, красавица или чудовище – если вы любите подобные загадки, то и сказочный мир Базиле будет вам близок.

«Я ненавижу тупость и наглость. Восхищаюсь теми, кто пытается реализовать собственные сны», – фантазии самого Маттео не ограничиваются художественной территорией. Он рассказывает, что, когда у него в руках окажется волшебная палочка, он прекратит все войны, а над Африкой разразится сильнейший ливень и весь материк покроется травой. Еще Базиле мечтает жить в будущем и пользоваться необычайными технологиями, которые тогда изобретут, или стать кочевником и все время перемещаться по миру.


Качо

Старые лодки, пустые бутылки, рыбацкие сети, потрепанные кусочки материи – возникает ощущение, что материал для своих работ Качо ходит искать на побережье
«Мир создается миграциями. Происходит постоянное движение человеческих масс в поисках лучших условий жизни», – говорит Алексис Лейва Мачадо, более известный как Качо. Миграции и океан – две его излюбленные темы.
(IMG:http://journal.vz.ru/upimg/12327.jpg)
Старые лодки, пустые бутылки, рыбацкие сети, потрепанные кусочки материи – возникает ощущение, что материал для своих работ Качо ходит искать на побережье. Что выбросили воды океана на берег, то и пошло в инсталляции самого знаменитого из ныне живущих кубинских мастеров.

Объекты из этих обрывков и обломков получаются немного грустные, ностальгические и очень душевные. Помимо инсталляций, Качо занимается графикой, скульптурой и ассамбляжами (сродни коллажу, только используются объемные детали или целые предметы, скомпонованные на плоскости как на картине).Последние, по словам Качо, он делает не из мусора, как может показаться со стороны, а из «прошлого»: «Я люблю работать со старыми материалами, потому что у них есть история, они несут невероятную энергию и свет». И на недолговечность своих произведений он смотрит спокойно: «Для меня самое главное – какое место я занимаю в сердцах людей. Ведь это и определяет, куда ты попадешь, когда наступит Судный день: в ад или рай».
глянцевый журнал взгляд

[Жанятка]

Совесть концептуализма
В ММСИ открыта первая персональная выставка Дмитрия Александровича Пригова «Граждане! Не забывайтесь, пожалуйста!»
(IMG:http://www.vz.ru/upimg/m_177046.jpg)
Первая (и, к сожалению, посмертная) музейная персональная выставка выдающегося авангардного поэта и художника Дмитрия Александровича Пригова (1940–2007) в Московском музее современного искусства (в Ермолаевском переулке) выстроена с упором на слово, а не на изображение.

Пригов, в отличие от большинства авангардистов, не старался расшатать общественные устои, он, скорее, наоборот, пытался вернуть граждан к норме.

Поскольку начало его творческой биографии пришлось на советское общество, живущее по принципу «Наше дело правое», Дмитрий Александрович стал «левым» художником.

Именно с «левого» края ему сподручнее было будить гражданское сознание советского обывателя, спящее почти летаргическим сном под сенью родного государства.

Пригов взял на себя роль будильника. Советская культура была теперь не только под пристальным вниманием компетентных органов, но и под его, Пригова, личным присмотром (из-за чего некоторые недальновидные представители богемы, как часто говорил в интервью сам Пригов, поначалу считали его сотрудником КГБ), альтернативным, конечно, официальной власти.Небесная лестница

«Пригов оказался художником, который не вписывается в рынок, но найдет свое место в музеях»
Сперва это был пристальный взгляд Милицанера – некоего условного представителя государства. С одного из экранов в ММИИ Дмитрий Александрович в милицейской фуражке читал, быть может, самое знаменитое свое стихотворение:

«Когда здесь на посту стоит Милицанер,
Ему до Внукова простор весь открывается.
На Запад и Восток глядит Милицанер,
И пустота за ними открывается
И центр, где стоит Милицанер, –
Взгляд на него отвсюду открывается.
Отвсюду виден Милиционер.
С Востока виден Милиционер,
И с Юга виден Милиционер
,И с моря виден Милиционер,
И с неба виден Милиционер,
И с-под земли...
Да он и не скрывается».

Милицанер – пародия на реального, и в тоже время – это инспектор фальшивой культуры и защитник подлинной. Однако этой анекдотической фигуры в духе Хармса Пригову было недостаточно.

Дабы подняться над «вездесущестью» государственного аппарата, он обратился к метафизике; так возникло Око – гигантский нарисованный Божественный Глаз. Дмитрий Александрович сделал с ним десятки рисунков и инсталляций. Сквозь официальную ложь, сквозь мусор тысяч газет – зрит Око Правды.

В ранней графике основным для Пригова был образ скважины, пробуравленной в стене – к небу. А в поздней – словно бы художник уже добрался до небес и ему явлен был этот мистический Третий Глаз, ставший его истинным зрением.

Око внезапно «проявляется» на множестве приговских картин: в стандартных русских пейзажах, в музейных интерьерах, в абстрактных комнатах.

Иногда Око изображено с капелькой крови или с красной точкой сверху. Или с другим частым атрибутом приговских работ – бокалом красного вина (крови?). Это аналогия той самой Чаши, которую Иисус просил Отца «мимо пронести». Пригов на видео 2001 года исступленно исполнял свою вариацию на эту библейскую тему: «Отец мой, убер-ри или пр-ронеси эту Чашу!»

В советское время поэт под видом частных объявлений расклеивал цитаты из Библии. Крики кикиморы, прочие эпатажно-стебные проявления приговского творчества, включая чтение филосософско-иронических стихов, заслоняли желание Дмитрия Александровича быть пастырем «вверенного» ему человеческого стада. В этом смысле он выполнял писательскую миссию, типичную для русской земли – поводыря.

«Граждане! Солнце скрылось за облаками, а вы уже и поверили!» – увещевал он соотечественников в объявлениях, где библейские фразы заменил на собственные.

Идею экспозиции «Граждане, не забывайтесь, пожалуйста!» подсказал куратору Екатерине Деготь именно этот перформанс Пригова 1986 года, когда поэт сотни своих нравоучений-афоризмов развесил на столбах, за что угодил в психушку, откуда был вызволен друзьями и поклонниками.

Пригов являл собой смесь Сократа и Козьмы Пруткова. Как древнегреческий мудрец, он, словно «овод ленивого коня», пробуждал в обывателях гражданскую совесть, а форму для этого выбрал сатирическую, псевдопафосную и маскарадную.

Не могу удержаться, чтобы не привести с десяток приговских «воззваний», настолько они емки и блистательны. Учитывая что поэт был услышан, само обращение «Граждане!» можно убрать.

«Резко похолодало, а еще по привычке в легкой одежонке бегаем, и даже не холодно поначалу!»

«Мы этого никогда не видели, но ведь и оно нас видит впервые!»

«Белым снегом запорошило поля – эта чистота напомнила нам о чистоте души нашей – вспомним ли?!»

«Тяготы души прекрасны, они делают ее грузоподъемной, что ли!»

«Как входишь в коридор темный, сразу бежать хочется, но ты себя удерживай!»

«Слово наше крепко, но тело слабо, так ведь телу все равно погибать!»

«Я бы вас не беспокоил, если бы не верил в вас!»

«Только любовь к вам толкает меня на это!»

«Это дано не вам одному – так что подождите, может, кто достойней найдется!»

«Природа разлюбила нас, поэтому летом как-то не хочется из города выезжать!»

«Что есть более историческое, чем решительный поступок в данное конкретное время!»
К вершине!Мощный энергетический и нравственный стержень Пригова, его творческая одержимость привлекала к нему множество народу. По видеозаписям 90-х видно, что вокруг Дмитрия Александровича крутилось немало молодых художников, среди которых мелькает и один из самых заметных сегодня – Анатолий Осмоловский.

Пригов был лидером, выпадающим из любых систем. Сначала из советской, поскольку его не устраивало лицемерие господствующей идеологии, но не стал он жить и по законам рынка, поскольку в этой системе координат цинизма не меньше (если не больше).

Открываю наугад одну из сотен отпечатанных на машинке «самоизданных» книжечек («Диалогизмы», 1998 год, Лондон), образующих на стене верхнего этажа нечто вроде иконостаса.

Как горный молодой козел
По имени старик Димитрий,
Я лез и лез, безумно зол,
По-хорошему зол,
К седой, снегом покрытой митре
Вершинной.
Не озираясь, вверх и вверх.
Ты скажешь: «Это ж чистый смех!
В твоем возрасте и положении!» –
Поколебавшись, я так и не найдусь, что ответить.
Как сваленная в кучу шерсть,
Под нами облака бежали
И ангелы на них лежали,
Я посчитал – их было шесть
Ровно –
Или семь.
– Так сколько, шесть или семь? –
Спросила ты, и я совсем
Растерялся:
Ну, шесть!
Или семь.

В этом небольшом стихотворении изложена всё та же внутренняя установка Дмитрия Александровича – быть пастырем. Митра – головной убор митрополита. «Шесть» и «Семь» – священные числа. Пригов полон иронии к себе, но не к этой своей роли. Мистико-религиозные образы и понятия заполняют всё его творчество.

На выставке есть приговские «Газеты», «Банки» и «Стихограммы». Есть его «Бестиарий» – каталог монстров, которых он извлекал из души. Но лейтмотивом экспозиции стали всё-таки афоризмы-обращения, которые расклеены на планках по всем четырем этажам. В особо большой концентрации они на лестнице. Словно бы слова Пригова сопровождают нас на жизненном пути, который напоминает подъем по ступеням: «Граждане! По обе стороны пути вашего пропасти разверсты, а вы как думали?!»

Как призналась одна из смотрительниц: «Когда никто не видит, я тихонько переписываю его фразы в блокнотик». Я сам наблюдал, как девушка вернулась перечитать какое-то приговское напутствие. Лично мне близким показалось его «восточное» высказывание: «Фудзи колышется в каждом сердце, а объектно является лишь японцу – за какие-то отдельные заслуги!»

Каждый может найти строчки для себя. А значит, цель Екатерины Деготь как куратора выставки – максимально популяризировать творчество Мастера – выполнена. Об этом и поговорим с известным искусствоведом.

Нравственный ориентир
– Складывается впечатление, что Пригов такой авангардист- моралист. Смесь Сократа с Козьмой Прутковым. Как в одном из его обращений: «Граждане! Я предупреждал вас, ваше дело поступать по своему усмотрению!»
– Это верно. Аналогии с Прутковым и мне приходили в голову. В советское время, Прутков особенно нравился интеллигенции. Думаю, этот литературный персонаж повлиял и на Пригова. Что касается морали, то в своем творчестве он постоянно использовал христианские образы, поскольку принадлежал к этой культуре. Но сам он никому не читал моралей. К примеру, он сделал скульптуру, в которой явно угадывается Христос. Я назвала ее «Фигура в терновом венце», потому что это одновременно и приговский автопортрет, и Христос, и просто человек. Однако мне хотелось подчеркнуть морально-реалистический момент.

– Современное западное искусство антирелигиозно, в то время как авангардный художник Пригов делает серьезные перформансы на библейские темы: «Страсти по Матфею», «Евангелист». Если Херст и Чапмены пытаются разрушать сакральные основы, Пригов, напротив, утверждает их.
– Я согласна. Он вырос в советской идеологически крайне «правой» реальности, но при этом у нее была левая риторика. Если говорить о социальных приговских идеях, то, конечно, они «левые». Вроде бы он боролся с советской властью, а это как бы коммунисты. Но на самом деле борьба была не с коммунистами, а с носителями перерожденной коммунистической идеи – аппаратчиками. Он боролся с «правизной» советской власти!
От советского авангарда Пригов унаследовал желание обращаться к народу. Он был такой один, может, еще Комар и Меламид. У всех остальных, типа Кабакова, не было «гражданского органа чувств», желания апеллировать к широким народным массам. А у Пригова социальный темперамент, как у Маяковского.

– Сейчас наблюдается поворот российского современного искусства «вправо»: это и Кулик с проектом «Верю», и победа на «Кандинском» иконостасных «Хлебов» Осмоловского. Но Пригов изначально выполнял эту функцию – совести. В то время как многие современные творцы дальше провокаций не идут.
– Но сейчас же вообще нет совести! Исчез такой элемент в организме! Поэтому Пригову трудно было в последнее время. Его не понимали даже соратники. Осмоловский, кстати, пытается поднимать этический момент, но Кулик – это полный релятивизм. Его основная идея – все мы дети природы.

– И все же Кулик организовал проект «Верю». И это было достаточно неожиданно.
– Мне кажется, это была симуляция: и нашим, и вашим. Насчет совести не знаю, а нюх у Кулика точно есть.

– Пусть так: значит, в воздухе что-то появилось, на что он обратил внимание. Он первым публично поднял тему духовности в современном искусстве.
– В этом смысле выставка «Верю» была важна. Она сформулировала желание строить фундаментальные ценности. Но скорее Осмоловский действительно занимается сейчас бурной общественной деятельностью. Противостоит разрушению ЦДХ, как я слышала.
– На видео в ММСИ юный и тощий Анатолий бегает вокруг Пригова. Может, Дмитрию Александровичу удалось вырастить молодое поколение, которому он передал эстафету?
– Надеюсь, что да. Пригов был нравственным ориентиром для всей художественной среды. Хочется верить, что такие художники, как Осмоловский, или еще более молодые, которых мы пока не знаем, воспримут этот этический импульс. Он состоит в каком-то внутреннем достоинстве художника: что нужно делать, как себя вести в конкретной ситуации, уметь видеть позитивные стороны. Пригов говорил: «Мне в жизни повезло. Во-первых, что я вообще родился. Во-вторых, что я родился в Москве». Но за это надо отдавать своим творчеством, которым, по большому счету, нужно что-то изменить в мире. Эта идея всегда занимала Пригова.

– По этой экспозиции видно, что при этом он не руководствовался рыночными соображениями.
– Коллекционеры интересуются Приговым. Я советую им: «Придите, посмотрите». После выставки говорят: «Все интересно, но купить нечего». Пригов оказался художником, который не вписывается в рынок, но найдет свое место в музеях.

– На этой выставке доминирует его писательская ипостась. Если убрать афоризмы-обращения, экспозиция много потеряет.
– Да, но эти фразы не есть произведения литературы, они были сделаны как произведения искусства, литература существует в тираже. Это если бы Пригов написал роман от руки – и подарил его вам. Это не произведения литературы, а арт-объекты.

– Но его глубокие высказывания остаются в памяти. И там они уже перестают быть арт-объектами, а превращаются в некие премудрости на уровне пословиц. Должна начаться вторая жизнь Пригова – именно тиражно-литературная.
– Она уже идет. Хотя «обращения» были опубликованы всего один раз и пока никто не торопится их переиздавать.
– А «НЛО»?
– «НЛО» переиздает его романы. Это издательство ориентировано на более традиционную литературу, а он был авангардистом. Авангардисты работают на территории искусства, там, где нет индустрии.

– Фразы Пригова – не авангард. Они, как и прутковские выражения, обладают силой воздействия на любую аудиторию. Их хочется перечитывать. Я видел, как девушка возвращалась что-то перечитать, смотрительницы переписывают…
– Это приятно слышать. Меня тоже многие спрашивают, где их можно почитать?

– Имеет смысл разместить их в Интернете. Пригов сложноват для восприятия даже в своих многочисленных интервью. А здесь он предельно ясен и лаконичен.
– Мне и хотелось показать его именно таким. Его надо было «очистить», довести до уровня ясности. Что ж, теперь у фонда Пригова будет задача – издать эти его вещи и разместить в Интернете.
взгляд

[Жанятка]

Сергей Андрияка открыл в Манеже персональную выставку

Мастер акварели, народный художник РФ Сергей Андрияка открыл сегодня в «Манеже» свою персональную выставку, посвященную его грядущему юбилею. Художник практически до утра готовил экспозицию к вернисажу. Она, по его словам, стала самой большой личной выставкой и включает более 1,5 тыс работ.

На выставке представлены не только известные пейзажи и натюрморты Андрияки, но и новые произведения, посвященные величественным красотам российской природы. «Акварель для меня - это основа, без которой я не могу жить», - отмечает он. Своим главным источником вдохновения Андрияка называет Россию. «Мне никогда не хотелось уезжать в другую страну. «Самое душевное и близкое - это наша природа «, - считает художник.

Для посетителей экспозиция открыта с 20 июня до 3 июля. // ИТАР-ТАСС

[Framboise]

Сергей Андрияка открыл в Манеже персональную выставку

Мастер акварели, народный художник РФ Сергей Андрияка открыл сегодня в «Манеже» свою персональную выставку, посвященную его грядущему юбилею. Художник практически до утра готовил экспозицию к вернисажу. Она, по его словам, стала самой большой личной выставкой и включает более 1,5 тыс работ.

На выставке представлены не только известные пейзажи и натюрморты Андрияки, но и новые произведения, посвященные величественным красотам российской природы. «Акварель для меня - это основа, без которой я не могу жить», - отмечает он. Своим главным источником вдохновения Андрияка называет Россию. «Мне никогда не хотелось уезжать в другую страну. «Самое душевное и близкое - это наша природа «, - считает художник.

Для посетителей экспозиция открыта с 20 июня до 3 июля. // ИТАР-ТАСС

Жанятка, может сходим? Я очень люблю его акварели... (IMG:style_emoticons/default/wub.gif)

[Жанятка]

Сергей Андрияка открыл в Манеже персональную выставку

Мастер акварели, народный художник РФ Сергей Андрияка открыл сегодня в «Манеже» свою персональную выставку, посвященную его грядущему юбилею. Художник практически до утра готовил экспозицию к вернисажу. Она, по его словам, стала самой большой личной выставкой и включает более 1,5 тыс работ.

На выставке представлены не только известные пейзажи и натюрморты Андрияки, но и новые произведения, посвященные величественным красотам российской природы. «Акварель для меня - это основа, без которой я не могу жить», - отмечает он. Своим главным источником вдохновения Андрияка называет Россию. «Мне никогда не хотелось уезжать в другую страну. «Самое душевное и близкое - это наша природа «, - считает художник.

Для посетителей экспозиция открыта с 20 июня до 3 июля. // ИТАР-ТАСС

Жанятка, может сходим? Я очень люблю его акварели... (IMG:style_emoticons/default/wub.gif)

Я в отпуске, так что как пионер, - Всегда готова!

[Жанятка]

(IMG:http://www.mignews.com/aimages/08_08/250808_90312_45898_2.jpg)

Виктория и Альберт переезжают в Кремль
--------------------------------------------------------------------------------
25.08 09:19 MIGnews.com

Выставка "Два века британской моды", на которой можно будет увидеть историческую часть коллекции знаменитого лондонского Музея Виктории и Альберта, откроется 5 сентября в Музеях Московского Кремля. Об этом сообщает телеканал "Культура" со ссылкой на пресс-службу музея.

На выставке можно познакомиться с выдающимися образцами дамского и мужского костюма, аксессуаров и тканей английского и французского производства.

Так, в разделе дамских нарядов предстанут утонченные платья эпохи рококо, редчайшие образцы английского придворного и домашнего платья, изящно украшенные платья для прогулок и верховой езды, а также фантазийные пелерины и манто конца XIX века.

В экспозиции будет представлена и эволюция мужской моды на протяжении двух столетий - от роскошных, богато декорированных мужских костюмов до минималистичного и сдержанного костюма денди.

"Несомненным украшением выставки станет коллекция аксессуаров – дамские и мужские туфли экстравагантных форм, шляпы, роскошные веера, а также редчайшие по качеству и изысканности узора кружева ручной работы, служившие в свое время своеобразным символом богатства", – отметили в пресс-службе.

[Жанятка]

Toy Story в жанре ужасов от Олега Дурягина открывает сезон альтернативного искусства

(IMG:http://www.pravda.ru/img/idb/dou-200.jpg)
Ребенок-Бэмби

В галерее «Айдан», на территории Винзавода открылась новая выставка 25-летнего художника Олега Dou (Дурягин) Toy Story, раскрывающая тайну превращения хороших детей в плохих взрослых. «Основная идея моего проекта - размышление о том, почему из некоторых детей, которые в своих играх примеряют образы исключительно положительные, вырастают не всегда хорошие взрослые», - сказал Дурягин.

Олег Dou, произведения которого особо впечатлительные пользователи Интернет-журналов – преимущественно поклонники готической культуры – растаскивают на аватары, остается верен себе: дети в его работах предстают с кукольными выбеленными лицами, красными глазами и обескровленными губами – жутко, но терпимо. Новая выставка художника состоит из крупноформатных фотографических коллажей, на которых изображены малыши и подростки в костюмах Бэмби, Пиноккио, Чебурашки, Зорро, Микки Мауса, Бэтмена и др.

По словам самого художника, между осознанием, что перед вами ребенок и его лицом возникает диссонанс. С другой стороны, по мнению автора, работы должны наводить на мысль о «самоидентификации ребенка во взрослом мире». Как говорит Олег Dou, «это было задумано специально, чтобы показать противопоставление мира детей и мира взрослых, поэтому эмоции на лицах детей не гармонируют с их привычным образом». Однако в действительности, никакого диссонанса не возникает.

Для того, чтобы добиться нужной эмоции, Дурягин выводил из студии родителей и оставался один на один с ребенком. «Вспомните свои групповые фото из детского сада - все там получаются немного скованными, напряженными - для детей это ответственный момент и они стараются, как могут, - сказал художник. - В моем случае это тоже было столкновение ребенка со взрослым, тем более в непривычной обстановке, поэтому у детей получились взрослые выражения лиц».

Олег Дурягин признался, что он уже подал заявку с этим проектом в оргкомитет «Премии Кандинского», которая будет вручаться второй раз. Художник уже обладает рядом наград: 2007 г. International Photography Awards (Фотограф года в специальной категории; 1е место Nuns; 2е место Naked Faces ) и 2007 г. International Color Awards (1е место Фотография года; 1е место в категории fineart).


правдару
Константин Ромин

[Жанятка]

Юбилей с грустью в глазах

(IMG:http://img.gazeta.ru/files3/203/2870203/bobrgal1.jpg)

Третьяковская галерея отмечает 250-летие Владимира Боровиковского большой персональной выставкой. Кроме привычных дворянских портретов впервые за многие годы публике представлена и религиозная живопись этого художника.

Пусть и с опозданием на год, но юбилей все же справили. Ретроспектива под названием «...Красоту ее Боровиковский спас» собрала около двух сотен экспонатов из ряда музеев. Даже парижский Лувр поучаствовал, прислав в Москву двойной портрет княжон Куракиных. Разумеется, базовыми стали коллекции Третьяковки и Русского музея. Дефицита не ощущалось, поскольку Боровиковский был весьма плодовитым автором – в отличие, скажем, от его коллег-современников Левицкого и Рокотова. Тем не менее большой монографической выставки юбиляра никогда прежде не устраивалось. Музейщики в ходе подготовки экспозиции даже испытывали опасения, что первый блин может выйти комом – в том смысле, что наследие художника, будучи собрано воедино, воспримется уж слишком однообразным. Но нет, получилось вполне бодро и многогранно.

Хотя почва для опасений, безусловно, имелась.

От модного портретиста почти все заказчики желали заполучить сходную продукцию – или парадный портрет хозяина в мундире и со всеми регалиями, или идиллическое изображение семейства вместе с пуделями и прочими домашними любимцами. А более всего востребованы были портреты дворянских дочек в пору цветения юности – этот жанр Боровиковскому особенно удавался. К нему, в частности, принадлежит знаменитый портрет Марии Лопухиной, той самой, чью красоту Боровиковский спас, по выражению поэта Якова Полонского. Были у художника и другие несомненные удачи, но конвейерный характер работы не мог не сказаться на результатах. Если выстроить все его дворянские портреты в одну общую линейку, высока вероятность, что зритель заскучает. Поэтому экспозиционный зал решено было зонировать – и вышло толково, действительно возникает ощущение многих оттенков и вариаций.

А еще всколыхнуть выставку удалось за счет немалого числа произведений с религиозными сюжетами.

Здесь и иконы в чистом виде, и эскизы росписей для храмов (в частности, для Казанского собора в Петербурге), и просто холсты с евангельскими сценами. Эта сторона творчества Боровиковского долго оставалась недоступной для публики, десятилетиями все держалось в запасниках. Не сказать, правда, что обнародованные нынче опусы все до одного выглядят шедеврами, но подобный репертуар многое добавляет к пониманию личности художника. Он был не только салонным портретистом, но и религиозным мистиком. Одно время входил в масонскую ложу «Умирающий сфинкс», потом вступил в так называемый «Союз братства», где практиковались духовидческие мистерии. А в самом конце жизни вернулся к традиционной иконописи, с которой много лет назад начинал свою карьеру в провинциальном Миргороде.

Обстоятельства, при которых Боровиковский попал в столицу и, более того, сделался блестящим живописцем, портретировавшим представителей высшей знати и даже членов царской фамилии, можно назвать едва ли не чудесными.

В 1787 году императрица Екатерина Алексеевна задумала посетить Таврию, и поскольку путь предстоял неблизкий, требовалось обустроить временные пристанища. Одним из остановочных пунктов значился город Кременчуг. Малороссийские власти спешно начали готовить резиденцию для государыни. Декорировать комнаты позвали Боровиковского – и он сумел угодить Екатерине настолько, что она повелела отправить даровитого художника в Петербург. Там его ожидали еще целые годы относительно скромного существования. Лишь после обучения у австрийца Иоганна Лампи-старшего выходец из Миргорода стал получать заказы на портретирование «сливок общества».

А свою высочайшую покровительницу художник изобразил незадолго до ее смерти на знаменитом полотне «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке».

Работа и впрямь неординарная: государыня предстает здесь не в блеске величия, она словно застигнута где-то посреди размеренного моциона. И выражение ее лица мало напоминает парадные портреты, во взоре читается умудренная печаль. Впоследствии Боровиковский не единожды изображал представителей правящей династии – великих князей и княжон, да и нового императора Павла Петровича портретировал несколько раз. Но нигде такой пронзительной интонации больше не прозвучало. Может быть, помимо воли автора тогда прорезалось личное отношение к благодетельнице.

Вообще-то потаенная грусть в глазах была фирменной приметой сентиментализма, к которому относят творчество Боровиковского. Он нередко наделял лица своих моделей меланхолическим выражением. И временами оно выглядит правдивым и естественным. Вполне достаточно, чтобы остаться в истории искусства.

газета

[Жанятка]

(IMG:http://img.beta.rian.ru/images/15443/53/154435329.jpg)

В ГМИИ им. Пушкина откроется выставка Уильяма Тернера


МОСКВА, 5 ноя - РИА Новости, Светлана Янкина. Один из самых долгожданных проектов ГМИИ им. Пушкина - выставка классика английского искусства Уильяма Тернера, открывается в музее 18 ноября, сообщила РИА Новости заместитель директора ГМИИ Зинаида Бонами.

"Принимать в музее выставку Тернера - большая ответственность и почет, его произведения рассматриваются как национальное достояние Англии и редко, когда покидают пределы страны", - сказала Бонами.

По ее словам, в этом и заключается особенность британского искусства - его мало в музейных собраниях по всему миру, за исключением разве что США.

В последний раз Тернер, которого искусствоведы считают художником скорее импрессионистического толка, демонстрировался в России более 20 лет назад и нынешнее его появление в ГМИИ факт если не исключительный, то крайне редкий.

Она также рассказала, что все картины представлены галереей Tate Britain - одним из крупнейших художественных музеев в мире.

Экспозиция "Тернер. 1775-1851" станет визуальным сопровождением к традиционному музыкальному фестивалю "Декабрьские вечера": при этом каких-то особенных дизайнерских ухищрений для показа Тернера, как, например, специально выстроенные временные залы для выставки "Шанель. Искусство вне времени", на этот раз не предвидится.

По словам Бонами, для экспонирования произведений столь желанного гостя авангардный фон не нужен, разве что колористическое решение выставки оттенит живописные переливы его полотен и акварелей.

Как рассказала замдиректора ГМИИ, на согласование с Tate Britain параметров транспортировки и экспонирования 40 картин, 70 акварелей и двух гравюр у музея ушел год, а все юридические тонкости прописаны в стостраничном договоре.

Что касается финансовой части проекта, то ее обеспечил предприниматель, член попечительского совета музея Алишер Усманов - соответствующий меморандум был подписан в марте нынешнего года.

"Несмотря на мировой экономический кризис, объемы финансирования выставки не изменились и с точки зрения количества вещей - это, в частности, касается страховки произведений искусства, и с точки зрения издания каталогов и буклетов к выставке", - отметила заместитель директора ГМИИ.

По ее словам, выставка "Тернер.1775-1851" является самым дорогостоящим проектом в истории музея, который осуществляется за счет спонсорских средств - лично от Усманова и фонда "Искусство и спорт", одним из учредителей которого он является.

На открытии выставки ожидаются с российской стороны министр культуры РФ Александр Авдеев, директор ГМИИ Ирина Антонова, а с британской - посол Великобритании в России Анн Прингл, директор Tate Gallery сэр Николас Серота, директор Tate Britain Стивен Дюкар и другие.

При этом Дюкар в день официального открытия экспозиции прочтет публичную лекцию по английскому искусству, иллюстрациями к которой станут не только известные полотна Тернера, но и его учебные штудии. Расписание лекций можно посмотреть на официальном сайте ГМИИ.

Джозеф Маллорд Уильям Тернер является одним из величайших британских живописцев конца 18-го - первой половины 19 века. Он прославился своими пейзажными работами, которые сейчас выставлены во многих музеях мира. Его картинам отведено несколько залов лондонской галереи Tate Britain.